Студентка выпускного курса Алайо Олоко, которая одновременно является специалистом по машиностроению и театральному искусству, часто оказывается в западной части кампуса Массачусетского технологического института в здании W97, где базируется академическая программа по театральному искусству в Массачусетском технологическом институте.
За время работы в качестве актрисы, дизайнера и технического члена команды в студенческом театре Массачусетского технологического института Олоко наблюдала за хаосом «технологической недели», где дизайнерские решения и репетиции объединяются в кратчайшие сроки. Она называет театр командным видом спорта: «Если вы что-то испортите или уроните мяч, это не только повлияет на вас. Это повлияет на всю постановку и весь конечный продукт», — рассказывает она.
Но, как и командные виды спорта, театр по своей сути является своего рода игрой, будь то под светом рампы, за кулисами или в классе. «Мы всегда смеемся во время репетиций или технических совещаний, потому что вас всегда окружает толпа других творческих людей. И вы обмениваетесь идеями, поскольку все вы связаны общей целью», — говорит Олоко.
Проектирование для театра
В театральном мире команда дизайнеров, режиссёров и актёров часто воплощает сценарий писателя на сцене с помощью режиссёра. Традиционно обязанности по дизайну в театре берут на себя разные люди — декораторы, звукорежиссёры, дизайнеры по свету и костюмам составляют ядро команды дизайнеров. Как и в спорте, каждому члену команды поручено проявить себя наилучшим образом, сотрудничая со всей командой.
Будь то интерпретация «Макбета» Шекспира или более современный сценарий, у каждого театрального дизайнера есть возможность внести что-то уникальное: дизайн, основанный на его личном опыте. «Если вы чувствуете это лично, зрители также почувствуют это лично», — говорит Сара Браунпрофессиональный художник-декоратор, профессор театра Массачусетского технологического института и член Академия дизайна Морнингсайд (MAD) Консультативный совет факультета.
Театральные дизайнеры могут ссылаться на свой личный опыт, чтобы создавать миры с «трением», метафорой эмоциональной работы людей, необходимой для того, чтобы справиться с новыми идеями, представленными в художественном произведении. «Это мир, в котором есть трение, с которым затем должны иметь дело актеры, или режиссер должен управлять, или зрители должны управлять», — объясняет Браун.
Такая интеграция личного опыта в дизайн оказывается критически важной для культурной функции театра — побуждать аудиторию чувствовать себя представленной или сопереживать различным точкам зрения, и, более того, отражать тонкости реальной жизни.
Однако погружение в личный опыт может оказаться сложным для молодых дизайнеров. Как и в случае с детьми, которые хулиганят или строят замки из песка, игра — это возможность экспериментировать в безопасной среде и развивать социальные и эмоциональные навыки, хотя это и нелегко.
Играйте на практике — исследуйте звук
Хотя профессиональная театральная постановка на практике, как известно, сопряжена с высокими ставками и ограничениями, такими как строгие сроки и бюджет, обстановка в классе, напротив, позволяет учащимся отвлечься от реальных забот и лучше окунуться в творческий и экспрессивный процесс игры.
«Мы называем их пьесами не просто так. Это не просто игра слов», — говорит Кристиан Фредериксон, звукорежиссер и технический преподаватель музыки и театра в Массачусетском технологическом институте. «Процесс обучения должен быть увлекательным», — добавляет он.
Как звукорежиссер, Фредериксон создает аудиосигналы и музыку для сопровождения живого выступления, принимая решения о том, где разместить эти сигналы во времени и когда лучше позволить тишине говорить.
«Звуковой дизайн для театра — это не создание или попытка не дублировать реальность. Он ищет способы помочь повествованию — по крайней мере, для меня — наиболее прямым и элегантным способом, а в нашем современном мире много шума. Если мы попытаемся повторить это в театре, мы получим беспорядок. Поэтому речь идет об улучшении и поиске наиболее прямого способа рассказать историю или помочь зрителям получить эмоциональный опыт», — говорит он.
Первый урок в классе Фредериксона включает в себя знакомство с личным стилем. В его курсах 21Т.223 (Звуковой дизайн) и 21Т.232 (Производя подкасты), Фредериксон знакомит студентов с этими областями с помощью «игры», которую он называет «Все — это инструмент». «Причина, по которой я называю это «игрой», заключается в том, что я считаю это забавным, и я думаю, что мои студенты считают это забавным, потому что нет никаких определенных правил», — говорит он.
В игре Фредериксон и его ученики делают короткую запись «обыденного повседневного предмета», например, металлической бутылки с водой или листа бумаги. После демонстрации возможностей Adobe Audition (цифровой звуковой рабочей станции) он позволяет ученикам свободно манипулировать аудиообразцом и начинать находить собственные стили.
«Если в классе 20 учеников, мы получаем 20 совершенно разных результатов из одного и того же образца материала», — говорит Фредериксон. «Я могу сказать, что этот ученик делает эти действительно редкие, интересные, фактурные произведения, а затем этот человек всегда пытается превратить свой образец во что-то из музыкального театра».
Получив музыкальное образование, Фредериксон считает, что его звуковые проекты имеют музыкальное качество, хотя он может сочинять, используя звуки вертолетов и взрывов вместо инструментов. Играя в игру, студенты подключаются к своим личным интересам и опыту, чтобы наполнить свои звуковые проекты, влияя на игру.
Реагирование и резонирование с дизайном
«[Theater design] «Это не просто просьба к вам приспособиться к задаче. Это на самом деле просьба к вам привести себя к этой задаче», — говорит Сара Браун. Это, по мнению Браун, отличает театральный дизайн от других философий дизайна. Чтобы раскрыть личный опыт, Браун просит дизайнеров подумать «прежде всего, как вы пересекаетесь с материалом физически, лично?»
Как и в игре Фредериксона «Все есть инструмент», Браун знакомит своих учеников с театральным дизайном, играя с обыденными материалами. Во время одного из первых занятий в классе 21T.220 (Сценография) ученики в небольших группах роются в корзинах, полных макулатуры, ткани и картона, побуждаемые вызывающим в памяти словом, направляющим их зрение и руки.
Художники-декораторы работают со сценариями и ссылками, чтобы разработать план для всей декорации — от типа напольного покрытия до добавления стен и платформ. Один из традиционных методов передачи дизайна декорации — создание физической модели. Работая с масштабной моделью черного ящика театрального пространства W97, студенты помещают свои обрезки в модель; оценивая свои проекты, они начинают обретать форму. Браун поясняет: «Мы начинаем понимать, что когда вы принимаете решения по дизайну, вы принимаете решения по дизайну в ответ на реальность».
Непритязательный выбор материалов и использование подсказок вдохновляют студентов-декораторов, таких как выпускники Веросе Агбинг и Алайо Олоко, делать выбор дизайна без колебаний, избегая пугающей «тревожности чистого листа», вызванной чрезмерным обдумыванием.
Для Олоко это «быстрое и грязное прототипирование» необходимо, чтобы увидеть, работает ли что-то. «Если работает, это здорово. Если нет, хорошо, это не заняло много времени», — говорит она.
Но упоминание Брауном «реальности» не следует путать с «реальной жизнью». На самом деле, Браун призывает студентов отказаться от любых представлений об ограничениях реальной жизни. Также занимаясь студенческим театром за пределами класса, Олоко подсказывает: «Представьте, что вы могли бы сделать, если бы могли сойти с ума, а затем выясните, какие части этого работают в рамках… В вашем первоначальном проекте, если вы ограничиваете себя бюджетом, вы можете чрезмерно ограничить себя, даже не осознавая этого».
«Моей крылатой фразой на занятиях стало: «Это не OSHA» [Occupational Safety and Health Administration] сертифицированный», потому что… в начале я определенно застрял на идее возможности придерживаться реальной жизни», — говорит Агбинг. Вдохновленный современными и экспериментальными театральными постановками, Агбинг рассказывает, как постепенно избавлялся от этих предубеждений, находя программное обеспечение еще более полезной и гибкой платформой для проектов театрального дизайна.
Студенты, изучающие сценографию, изучают Vectorworks, программу моделирования архитектуры, в сочетании с Twinmotion, программой 3D-визуализации, в современном подходе к театральному дизайну. «С помощью этого программного обеспечения я смог создать это прекрасное сочетание… контрастного освещения, и возможность управлять этой интенсивностью была действительно важна», — замечает Агбинг.
Как игра объединяет нас
Хотя театр MIT использует этот игровой подход к дизайну, это не значит, что его цели — только веселье и игры. «Я не думаю, что ставки в театре ниже в любом случае», — говорит Фредериксон. Как педагог, он рассматривает театр в MIT как безопасную среду для студентов, чтобы «исследовать индивидуальное выражение» и «развивать навыки дизайна, о которых вы не знали, что они вам понадобятся или которые вы собираетесь использовать».
Поскольку театр не стремится копировать реальность, это шанс «поиграть в притворство» как для дизайнеров, так и для зрителей, чтобы рассмотреть сложные идеи на расстоянии. Погружение в вымышленный мир — это возможность для зрителей почувствовать себя представленными, поразмышлять над новыми идеями и развить эмпатию. Для театральных дизайнеров процесс проектирования представления позволяет исследовать многогранный личный опыт, который может быть сложным или запутанным.
Вторя мнению Фредериксона, технический инструктор и видеодизайнер Джош Хиггасон, который предлагает курсы по световому дизайну (21T.221) и интерактивному дизайну и проецированию для живых выступлений (21T.320), считает, что его студенты «учатся тому, как проявлять эмпатию, как устанавливать связь, как укреплять связь и как говорить о сложных вещах, когда мы только начинаем».
К концу семестра, вооруженные инструментами для вдумчивого выражения «больших идей и больших эмоций», театральные дизайнеры и зрители становятся членами большего сообщества, более способными справляться с трениями и преодолевать разногласия. Хиггасон размышляет: «Одним из [theater’s] многие цели — попытаться рассказать истории людей и личностей. Но это также может заменить эти более масштабные, универсальные истории или эти более масштабные, универсальные переживания».
